Quelques précisions pour les collectionneurs.

Dans une collection d'art de qualité, tout a sa place. Rien n'est aléatoire ou chaotique, et toutes les œuvres d'art sont liées les unes aux autres. C'est ce qui fait qu'une collection d'art s'étend bien au-delà de la valeur de ses parties individuelles.

4 conseils pour créer votre collection d'art :

- Faites confiance à vos goûts. Focalisez-vous sur les œuvres d'art que vous aimez.
- Réfléchissez à ce qui vous intéresse. Décidez quel médium artistique vous intrigue, que ce soit la peinture, la sculpture, l'art textile, le travail du bois ou la céramique, par exemple.
- Faites vos recherches, sur internet, dans les galeries, dans les salons d’art ou directement chez les artistes.
- Et surtout, laissez votre cœur vous guider.

Les salons d'art et les galeries.

Il existe de nombreux endroits pour découvrir et trouver l'art que vous aimez. Une méthode plus traditionnelle consiste à aller dans des salons d'art, à assister à des vernissages et à visiter des galeries. Ce sont d'excellents endroits pour trouver des artistes et des œuvres d'art pour constituer votre collection.

Les ouvertures d’ateliers d’artistes.

N’hésitez pas à aller voir les artistes directement dans leurs ateliers en prenant rendez-vous.

Ces conseils simples vous aideront à organiser votre collection d'art comme un professionnel :

- Concentrez-vous sur l'énergie de l'oeuvre. Quelle énergie souhaitez-vous ressentir dans votre salon ou votre bureau ?
- Créez un thème pour chaque espace.
- Coordonnez l'art avec les meubles.
- Développez votre collection de manière réfléchie.
- Utilisez des cadres assortis pour l'art mural.

- Visitez les centres d'art à but non lucratif et les petites galeries de votre ville.
- Commencez par quelques lithographies ou sérigraphies.
- Liez connaissance avec des artistes et des galeristes.
- Demandez quelles sont les possibilités de paiements échelonnés.
- Ne choisissez pas des œuvres sans créativité ou que vous voyez reproduites un peu partout.
- Ne choisissez que ce qui vous plait et ce sur quoi vous vous arrêtez.

L'investissement réalisé dans une collection d’art n’est plus limité à une élite aisée. Si vous montrez un intérêt certain pour l'art, vous pouvez diversifier vos atouts et même trouver quelque chose de sympa à accrocher au mur. Au moins, votre investissement aura une bien meilleure apparence que des actions en bourse.

Les profits sur l'art ne se font pas du jour au lendemain, comme d’ailleurs d’autres placements. Les experts recommandent l'investissement dans l'art aux investisseurs patients sur une durée de 10 ans ou plus, alors pensez à long terme.
De nombreux investisseurs en art incluent des peintures dans leur planification successorale en tant qu'actifs à transmettre à leurs descendants.

De nombreuses personnes achètent de l'art en période de risques et d'incertitudes et en profitent, comme pendant la Seconde Guerre mondiale.

Aujourd'hui dans les pays aux économies instables et aux devises sujettes à la dépréciation, les personnes fortunées investissent fréquemment dans l'art comme moyen de diversifier leurs risques.

Le conservateur est une personne qui gère, administre ou organise une collection, de manière indépendante ou employée par un musée, une bibliothèque, des archives ou autres organismes, tandis que le collectionneur est une personne qui rassemble, qui crée ou gère une collection à titre privée ou pour une galerie-musée, par exemple.

Investir dans l'art peut être une bonne idée si c'est quelque chose que vous aimez vraiment. Mais cela peut être risqué, vous devez donc faire vos recherches.

L'art peut faire plus qu'égayer un espace de vie. Les collectionneurs de peintures et de sculptures achètent fréquemment des oeuvres en vue de les ajouter à leur portefeuille d'investissement. Certains en revendent également afin de permettre à leur collection d’évoluer.

Nous avons déjà mentionné qu'il devrait y avoir au moins huit à dix œuvres d'art dans une collection. Mais c'est le nombre minimum, il est préférable d’en avoir plus. D’une part pour apprécier le fait de les collectionner, mais également cela laisse plus de place à des reventes ou échanges afin de faire évoluer sa collection. Mais chaque collectionneur a sa propre approche de la gestion de sa collection.

La réponse simple est OUI, elles peuvent être des investissements précieux à la fois pour l'amateur d'art et le collectionneur, ainsi que pour l'artiste, mais tous les tirages d'art n’ont pas la même valeur.

La valeur des estampes d'art dépend de la rareté et de la disponibilité ainsi que de la popularité de l’artiste, de la qualité du travail réalisé.

Avec la popularité croissante des impressions numériques, les épreuves d'artistes peuvent dans de nombreux cas être répertoriées au même prix que les éditions limitées numérotées. Cependant, même si elles affichent une qualité égale et le même état, les épreuves d'artistes sont dans la plupart des cas plus chères, coûtant entre 20 et 50% de plus.

Contrairement à ce que certains pourraient penser, la reproduction d'une œuvre d'art ne diminuera pas la valeur d'un original.
En fait, les impressions en digigraphie peuvent réellement augmenter la valeur d'un original. En raison de la haute qualité, ces impressions peuvent souvent prendre de la valeur avec le temps. Cela dépend bien sûr de la notoriété de l'artiste.

La plupart des artistes signent leurs reproductions (lithographies, sérigraphies et autres) dans le coin inférieur droit de l’œuvre.
On considère qu'en signant une estampe, l'artiste l'approuve et la revendique comme sa propre œuvre. Parfois, les imprimeurs signent également une reproduction qu'ils produisent, c'est pourquoi certaines pièces ont deux signatures.

Les initiales « AP » ou « EA » au lieu d'un nombre au bas d'une image signifient « Epreuve d'Artiste ».
Avec les estampes d'artistes, il s'agit d'un processus de production nécessaire où des épreuves sont créées jusqu'à ce que l'artiste soit satisfait de l'impression. Une fois validées, les impressions en plus grand nombre peuvent être réalisées.

Une édition imprimée particulière est numérotée par l'artiste. Toute impression sans numéro n'est probablement pas une reproduction validée et ne provient pas de l'édition originale. Ce qui signifie que cette impression peut être non autorisée par l’artiste.

Lors de l'identification d'une impression de valeur, vérifiez la qualité d'impression et le bon état du papier. Observez avec soin le papier et voyez s'il y a un filigrane ou un signe distinctif. L'état du papier - déchirures, plis, taches - aura également un impact sur la valeur.

L’épreuve d’artiste (E.A.) est le terme général pour tout tirage avant l'impression de l'édition officielle.
Sur le marché, ils ont souvent plus de valeur, car ils sont, tout d’abord, moins nombreux, ce qui les rend plus rares et, dans certains cas, ils peuvent présenter des qualités uniques par rapport au reste de l'édition.

Pour les artistes qui essaient d’avoir plus de revenus, il pourrait être tentant d’augmenter le nombre de tirages, mais reproduire en grand nombre une « édition limitée » deviennent arbitraires. Plus il y a d’impressions moins elles ont de valeur et encore... faut-il pouvoir les écouler.
Un bon point de départ pourrait se situer entre 20 et 250, tandis que certains artistes vont jusqu'à 500 tirages.

Une gravure est généralement beaucoup plus abordable que l'œuvre originale créée par un artiste de bonne renommée, mais a toujours un air d'exclusivité, car l'œuvre n'est pas produite en série.
Le facteur important qui augmente la valeur d'une gravure est bien naturellement sa quantité limitée (édition limitée).

Toutes choses étant égales par ailleurs, les sérigraphies sont généralement plus chères, car elles prennent beaucoup plus de temps à réaliser et sont de meilleure qualité.
Mais certains artistes célèbres utilisent la lithographie pour créer des œuvres qui valent plus qu'une sérigraphie. Ceci tient compte de l'importance de l'œuvre originale et de l'influence de l'artiste.

Toutes choses étant égales par ailleurs, les sérigraphies sont généralement plus chères, car elles prennent beaucoup plus de temps à réaliser et sont de meilleure qualité.
Mais certains artistes célèbres utilisent la lithographie pour créer des œuvres qui valent plus qu'une sérigraphie. Ceci tient compte de l'importance de l'œuvre originale et de l'influence de l'artiste.

E.A. signifie « Epreuve d'Artiste », H.C. signifie " Hors Commerce ", ou « ne pas vendre ». Semblable à une épreuve d'artiste, cette épreuve a été écartée des tirages d'édition.

La plupart des lithographies modernes sont signées et numérotées pour établir une édition limitée.
Une lithographie offset, également appelée " Tirage à édition limitée", est une reproduction par un procédé mécanique, dans laquelle l'artiste n'a en rien contribué au processus de réalisation d'un tirage original : c'est-à-dire qu'il n'a pas conçu la planche.

Les impressions digigraphies sont-elles meilleures qu'une impression d'art ordinaire ?
Si vous comparez une impression d'art digigraphie à une impression d'art standard régulière, alors oui. Une impression d'art digigraphie est définitivement meilleure qu'une impression d'art (lithographie, sérigraphie).
La digigraphie doit être exécutée dans les règles de l’art selon des procédés bien précis (support, encre et qualification de la personne en charge de l'impression)

La valeur ou le prix d'une lithographie dépend de la qualité de l'œuvre d'art, de la qualité du papier et du succès de l'impression.
La réputation de l'artiste qui a produit l'estampe très souvent une incidence sur le prix, tout comme la raison pour laquelle la lithographie a été réalisée.

La valeur d'une œuvre d'art est traditionnellement établie avec un historique des ventes précédentes d'œuvres d'art du même artiste identifié, ces peintures non signées ou illisibles auront malheureusement généralement une valeur limitée sur le marché de l’art, malgré leur attrait esthétique.

Parce que le travail réalisé à la préparation de l’impression et le coût d’impression rendent l'œuvre plus originale, elle devient plus précieuse et rare.
La haute qualité de réalisation et la longue durée de vie des digigraphies garantissent que ces impressions prennent de la valeur.
Au fur et à mesure que la notoriété d’un artiste augmente et que son travail devient plus demandé, ses tirages en édition limitée prennent de la valeur.

Une impression digigraphie qui est stockée dans des conditions normales devrait durer 100 ans ou plus. Sachant que cette nouvelle technologie n’a pas encore le recul nécessaire pour garantir une durée précise.
Ces impressions sont produites à l'aide des meilleurs supports et des encres particulières résistantes aux solvants et à la lumière.

Nous l’avons dit, les tirages en éditions limitées conservent ou augmentent généralement leur valeur.
Cependant, cela dépend de l'artiste, de l’offre et de la demande et de sa popularité avec le temps.
Lors de l'achat d'une édition limitée, les épreuves d’artistes ou même de l'imprimeur sont considérées comme rares et sont donc susceptibles d'avoir plus de valeur.

Les tailles d'édition limitée vont de moins de 100 à 1200, mais en moyenne, les sérigraphies sont imprimées en séries de 100 à 125.
Chaque impression individuelle est numérotée sous la forme d'une fraction, telle que "1/100", ce qui signifie que l'impression est numéro 1 dans une édition de 100. En règle générale, les tirages de moins d'éditions ont une valeur plus élevée.

L’œuvre originale et la sérigraphie qui en est tirée ont toutes deux une valeur exclusive. La volonté d'incorporer une sérigraphie à votre collection est une approche à la fois monétaire et artistique.
Les sérigraphies ne sont pas aussi chères que les œuvres originales, éliminant ainsi certains facteurs auxquels de nombreux collectionneurs sont confrontés lors de l'achat d'œuvres d'art, principalement le financement.

En fait, le marchandage n'est pas seulement autorisé, il est attendu, un fait peu médiatisé sur certaines places de marché.

Le montant de la réduction peut dépendre de diverses conditions – et il existe certaines façons d’approcher cela – mais de nombreux galeristes ou artistes se disent plus que disposés à négocier.

Au lieu de demander combien coûte une œuvre spécifique, vous pouvez simplement avoir cette approche : « J'aime votre travail, mais je suis limité au niveau budget. Y a-t-il quelque chose de possible dans la fourchette de prix de x € ?
Ne vous inquiétez pas, je suis prêt à recevoir une réponse négative "Non, désolé, ça ne suffit pas" ! »

Si votre proposition est raisonnable, il y a des chances que l’artiste ou le galeriste accepte.